FESTIVAL FÜR NEUE MUSIK ::::: forum : : wallis <<>> forum : : valais : : : : PROGRAMM #6 : : : : 2012

18/JAN/2012 - 19h00
SION, Théâtre de Valère

CHF 30.-/CHF 15.- (Studenten, Lehrlinge), Kinder gratis
CHF 30.-/CHF 15.- (étudiants, apprentis), enfants gratuit
Abendkarte/valable la soirée entière
Reservationen/Reservations:
Théâtre de Valère Sion
Tel: 027 323 45 61
E-mail: info@theatredevalere.ch

Jeunesse & Musique Contemporaine

concert de musique contemporaine
en collaboration avec la Haute Ecole de Musique HEMU, Site de Sion
Ensembles de l'HEMU

PROGRAMME

PROGRAMMKOMMENTAR. Im Sommer 2010 wurde zwischen der HEMU Vaud Valais Fribourg und dem forum : : wallis aufgrund der erfolgreichen Zusammenarbeiten 2006/2009/2010/2011 (Erarbeitung von Werken von Jean-Luc Darbellay, Andreas Zurbriggen, Hanspeter Pfammatter, Javier Hagen, Marie-Christine Raboud-Theurillat, Yannick Barman, Christophe Fellay, François-Xavier Delacoste, ferner Martinon, Bakauskas und Lutoslawski, Roe, Junghae Lee, Tedde, Hartmann, Sinangil, Schnittke, Kokkonen), ein mehrjähriger Zusammenarbeitsvertrag unterzeichnet, der Studenten und fortgeschrittenen Musikschülern die Möglichkeit zur Auseinandersetzung mit zeitgenössischer Musik unter professioneller Anleitung, sowie ein attraktives Podium für Konzertdarbietungen bietet.

ATANAS OURKOUZOUNOV (*1970)
Fantasia Bulgarica pour 2 guitares
Renaud Renquin / Dimitar Ivanov, guitare

BENJAMIN ATTAHIR (*1989)
A vide pour violon seul (2008)
David Sypniewski, violon

MARTIN ROKEACH (*1953)
Fantasy on Twelve Strings (1995)
Renaud Renquin / Hervé Dubois

TORU TAKEMITSU (1930-96)
Distance pour saxophone soprano
Noëmi Schwank, saxophone

ISANG YUN (1917-95)
3 Inventions pour deux hautbois (Glissandi - Vorschlage - Harmonie)
Nahoko Kinoshita et Claire Thomas, hautbois

FOTOS & TEASERS

_
Atanas Ourkouzounov

_
Benjamin Attahir

_
Martin Rokeach

BIOGRAPHIES

ISANG YUN est né le 17 septembre 1917 près de la ville portuaire Tong Yong en Corée du Sud et vit à Berlin à partir de 1964. De 1933 à 1944, il a étudié la musique en Corée et au Japon. Il a participé aux luttes pour l'indépendance de la Corée et a vécu, résistant contre la domination japonaise, dans la clandestinité, avant d'être arrêté et fait prisonnier politique. Entre 1945 et 1956, travail social, direction d'un orphelinat, professeur de musique dans les écoles puis lecteur à l'université de Séoul. Prix de la culture de la Corée du Sud en 1955. Etudes à Paris et Berlin entre 1956 et 1959, entre autres chez Boris Blacher et Josef Rufer, participation au cours de Darmstadt. 1967, enlèvement à Berlin par le service secret sud-coréen. Prisonnier du régime de Park, il est libéré en 1969 après les protestations de l'opinion publique internationale. Enseigne la composition au conservatoire de Hanovre en 1969/70, puis professeur à la Hochschule de Berlin entre 1970 et 1985. Naturalisé allemand en 1971, il a participé à partir de 1973 à nombre de manifestations des coréens du sud en exil, aux Etats-Unis, au Japon, dans le cadre de l'internationale socialiste, se prononçant pour la démocratisation de la Corée du sud et la réunification du pays. Yun a été membre des Académies des Beaux-Arts de Hambourg et Berlin, et a été fait docteur honoris causa de l'Université de Tübingen en 1985. Il est mort le 3 novembre 1995 dans son pays d'adoption.

TORU TAKEMITSU. Premier compositeur japonais à avoir acquis une réputation internationale, Takemitsu a passé la première partie de son enfance jusqu’à l’âge de sept ans en Mandchourie, région chinoise occupée par les Japonais, où son père travaillait. Revenu au Japon, il poursuit sa scolarité jusqu’en 1944, date à laquelle il est mobilisé pour renforcer les bases japonaises en prévision de la prochaine invasion américaine. L’histoire politique du Japon depuis 1868 a oscillé entre l’intégration de la culture occidentale et des périodes protectionnistes de retour à la tradition nationale. Le contexte de la Deuxième guerre mondiale n’échappe pas à ce mouvement de balancier. Alors que la culture occidentale, et spécifiquement américaine, était totalement proscrite au Japon, le jeune Takemitsu, découvre au sortir de la guerre la célèbre chanson « Parlez-moi d’amour » qui l’impressionne profondément et dont il parlera encore avec émotion à la fin de sa vie. Il décide alors de devenir musicien et se forme en majeure partie de façon autodidacte, tout en recueillant parallèlement les conseils du compositeur Yasuji Kiyose. Bien qu’ayant été initié au koto par sa tante quand il était enfant, le jeune Takemitsu orientera clairement, dans un premier temps, ses choix en faveur de la musique occidentale aux dépens de la culture japonaise qu’il évitait consciemment : « Le Japon n’existait pour moi que dans un sens négatif. Du moins, quand j’ai décidé d’apprendre la musique occidentale moderne et d’en vivre, il me fallait rejeter le Japon » (Mirrors). Nourri de musique occidentale écoutée à la radio, il découvre également les œuvres de Copland, Piston et Sessions, celle de Messiaen à laquelle il restera attaché toute sa vie, et se passionne pour les films de Capra et d’autres réalisateurs américains, prolongeant ainsi le goût prononcé de sa mère pour le cinéma. Après avoir écrit sa première œuvre marquante, Lento in due movimenti (piano, 1950), Takemitsu participe l’année suivante à la fondation du groupe Jikken Kobo (Atelier expérimental, 1951-1957), initié par le poète surréaliste Shuzo Takiguchi, et qui réunit des musiciens, poètes et plasticiens. Cela donne lieu à des concerts avec des expériences de relation entre musique et image (Joji Yuasa), et pour lesquels Takemitsu composera notamment Uninterrupted Rest I (1952) pour piano et Vocalism A.I. (1956) pour voix enregistrées sur bande sur les lettres du mot « ai » (amour). L’expérience du « Jikken Kobo » marque irrémédiablement Takemitsu qui pratiquera souvent le travail en collaboration avec d’autres artistes, au croisement entre des formes artistiques différentes — poésie, théâtre, arts plastiques, etc. — et plus encore pour le cinéma. Il épouse en 1954 l’actrice Asaka Wakayama. Comme beaucoup de compositeurs japonais, Takemitsu découvre la musique sérielle, la musique concrète et la musique électronique au début des années cinquante. Peu après la création du studio de la NHK en 1955 amorçant les premières œuvres de musique concrète et électroniques japonaises (Mayuzumi), Takemitsu compose des musiques pour bande (Static Relief, 1955), des musiques pour la radio et la télévision, et aborde le cinéma avec ses premières partitions dès Hokusai en 1952 (sa musique ne sera finalement pas retenue et c’est Kiyose qui sera crédité au générique). À la suite d’une visite au Japon de Stravinsky, qui manifesta un intérêt appuyé pour le Requiem pour orchestre à cordes (1957), la notoriété de Takemitsu acquiert peu à peu une dimension internationale. Il remporte diverses récompenses dans le cadre de festivals de musique contemporaine. Bien qu’il commence à s’intéresser à la musique traditionnelle japonaise après avoir découvert le théâtre de marionnettes (Bunraku), Takemitsu continue à dissocier ses origines culturelles et sa propre musique qui reste étrangère à cette source. C’est le contact avec les idées de John Cage à la fin des années cinquante, puis la rencontre entre les deux hommes en 1964, qui le conduira à réviser sa position en l’incitant à renouer avec sa propre culture : Eclipse pour biwa et shakuachi (1966), dont la notation relève autant du graphisme que de la tablature, et surtout November Steps pour les deux mêmes instruments traditionnels confrontés à un orchestre symphonique l’année suivante, constituent les étapes essentielles de la réintégration de la tradition japonaise dans la musique de Takemitsu, qui culminera avec In an Autumn Garden (1973) pour un orchestre de gagaku. Les années soixante-dix sont celles de la consécration pour le compositeur – il est nommé directeur du Space Theater dans le cadre de l’exposition universelle d’Osaka en 1970 – dont le catalogue s’accroît de façon importante dans des domaines très divers. Il reçoit parallèlement de nombreux prix et honneurs internationaux qui ponctueront régulièrement ses dernières années. La production de Takemitsu dans les années quatre-vingt sera majoritairement consacrée à alimenter les cycles « Waterscape » (Rain Tree, Rain Spell, Rain coming, etc.) et « Dream » (Dreamtime, Dream / Window, Rain Dreaming) qui coïncideront avec une musique de plus en plus consonante et dont le point culminant sera atteint avec Quotation of Dream (1991). La réconciliation entre les cultures est symbolisée dans le concept de « mer des tonalités » qui apparaît comme le maillon esthétique et musical entre l’orient et l’occident.

MARTIN ROKEACH’s music has been performed throughout the United States, Europe and Australia by many orchestras, chamber music ensembles and soloists. In the past year his works have been performed by the Chicago Ensemble, Vermont Contemporary Music Ensemble, St. Olaf Trio (MN), Cygnus Ensemble (NY), Wyck Trio (U. K.), Sheridan Ensemble (Chicago), Webster Trio (TX), and Anderson-Fader Guitar Duo (NY). His music has earned honors in eleven composition competitions, most recently those sponsored by the International Clarinet Association, the Chicago Ensemble, and Cygnus Ensemble, and he has been commissioned to write music for the Left Coast Chamber Ensemble, Music Teachers Association of California, Northeastern University Band, and California Association of Professional Music Teachers. His music has been published by Fallen Leaf Press, RonCorp, ALRY, and Dorn, and recorded on the Albany, North/South, Capstone, Amie, Arizona, Furious Artisans and CRS labels. He has been a featured composer and speaker at New York University and Wichita State University, and concerts devoted exclusively to his music have been held at Washington State University and Western Carolina University. Mr. Rokeach earned bachelor’s and master’s degrees in music from San Francisco State University, and his Ph.D. in composition and theory from Michigan State University. He is a member of the faculty at Saint Mary’s College, where he teaches music theory, history and chamber music.

BENJAMIN ATTAHIR. Né à Toulouse en 1989, Benjamin Attahir commence par l'apprentissage du violon au conservatoire de sa ville natale puis, très vite, se passionne pour la composition. A l'âge de quinze ans, il intègre les classes d'écriture et de composition, durant cette période, il reçoit les conseils et encouragements de Jacques Charpentier et de Philippe Hurel. Deux ans plus tard, il entre dans la classe d'écriture de Jean-Francois Zygel au CNR de Paris dont il sort avec trois premiers prix. En 2007, il poursuit sa formation avec Alain Louvier pour l'orchestration et l'analyse ainsi qu'avec Edith Canat de Chizy pour la composition, année couronnée par un premier prix de composition décerné avec les félicitations du jury. En 2010, il obtient un master d'analyse au CNSMDP (classe d'Alain Louvier) et a fait partie des quatre compositeurs sélectionnés pour participer à la session Appassinato de l'orchestre de Caen (direction: Jean Deroyer). Benjamin Attahir a été deux fois lauréat du Concours Général, deux fois finaliste du concours de composition de Boulogne-Billancourt et s'est vu décerner à deux reprises le prix de la SACEM. Il est primé en avril 2011 par le nouveaux concours international de la ville de Boulogne-Billancourt pour sa pièce Piacere (clarinette et piano). Actuellement, il suit l'enseignement de Gérard Pesson et de Marc-André Dalbavie au Conservatoire Supérieur de Paris et perfectionne sa pratique du violon auprès d'Ami Flammer. Par ailleurs, il participe en tant que violoniste à l'Orchestre des Lauréats du Conservatoire (OLC) ainsi qu'à l'ensemble Artedie. En janvier 2011 est crée Rituales Libri (pour violon solo et 24 violons spécialisés) à l'espace de projection de l'IRCAM et en mars de la même année, N'zah (pour orchestre) dans le cadre des Alla Breve de France Musique par l'Orchestre National de France sous la direction de Takuo Yuasa. En outre la reprise de son concerto pour serpent aux Invalides à Paris en octobre 2011, Coïncidence pour saxophone et piano s'est vu créé à la Cité de la Musique de Paris en mars 2011 par le duo Azar.

ATANAS OURKOUZOUNOV (né en 1970 à Bourgas) est un compositeur d'origine bulgare de guitare classique. Il s'« initie » à la guitare quand il réside à Sofia, avec Dimitar Doitchinov. Il décide s'installe ensuite à Paris et continue ses études à partir de 1992, auprès de professeurs connus, dont Arnaud Dumond, Alexandre Lagoya et Olivier Chassain.. Il obtient un Premier Prix de guitare du Conservatoire de Paris en 1997. Mais Ourkouzounov se met aussi à composer, essentiellement pour guitare ou musique de Chambre avec guitare, et il remporte le Concours de composition Il Fronimo des Éditions Suivini Zerboni en 1998. Il a gagné d'autres concours de compositions, en Italie et en Uruguay notamment. Son œuvre se compose d'un cinquantaine de pièces pour guitare solo, duos, trios, quatuors, ensembles instrumentaux et deux concertos.( 2009). Atanas a enregistré personnellement à ce jour deux CD's mais ses œuvres se retrouvent exécutées par d'autres sur plus de 25 CD's. Premier Prix de guitare du Conservatoire de Paris en 1997, Atanas Ourkouzounov s'est fait remarquer lors des principaux concours et festivals aux Pays-Bas, en France, en Allemagne et en Bulgarie.

RENAUD RENQUIN commence la guitare à l’académie de musique de Bastogne (Belgique) avec Véronique Sulbout. Il poursuit à l’Académie de musique Fondation Prince Rainier 3 de Monaco dans la classe de Luc Vanderborght où il obtient son D.E.M puis le diplôme de Spécialisation. Il obtient le Diplôme d’interprétation à la Haute école de musique de Lausanne dans la classe de George Vassilev en 2010. Il se perfectionne également lors de stages avec Alberto Ponce, Roland Dyens, Juan Carlos Laguna, Sharon Isbin, Raphaella Smits, Pavel Steidl etc… Au cours de ses études, il est boursier de diverses organisations telles que : La bourse SOGEDA, la bourse « FONDATION PRINCESSE GRACE DE MONACO » et la bourse « FONDATION TURQUOI» Il est amené à jouer en tant que soliste et chambriste en Suisse, Belgique, France et Italie. En 2010 il a le privilège de jouer comme soliste avec « L’orchestre Philharmonique de Monaco ». Avide de nouvelles expériences, il se produit dans diverses formations de musique contemporaine : Vortex (Genève), EMC (Lausanne) avec lequel il joue « Le Marteau sans Maître » de Pierre Boulez sous la direction de William Blank. Depuis Sep/2011 il est engagé comme professeur de guitare au Conservatoire de Lausanne.

DIMITAR IVANOV. Né en 1986 à Silistra, Bulgarie, fait son premier cours de guitare à l’age de 7 ans. Après quelques prix régionaux et nationaux de competition de jeunes talents, il débute ses études de guitare en 2000 avec Vesselin Kolev. En 2005, il continue avec le professeur Dimitar Doychinov à la Nouvelle Université bulgare de Sofia. En 2006-2007 il fait ses études préprofessionnelles au Conservatoire Cantonal de musique de Sion, Suisse, dans la classe de guitare de George Vassilev. En 2007 il commence ses études au Conservatoire de Lausanne site de Sion et obtient son bachelor en 2010. Dimitar Ivanov est lauréat de quelques prix internationaux, organisés en Bulgarie, comme soliste ou en formation de musique de chambre. Il suit l’enseignement de Dusan Bogdanovich, Zoran Dukic, Pavel Steidl lors de masterclasses. Actuellement Dimitar Ivanov fait ses études à l’ HEMU Site de Sion au niveau Master d’interprétation.

DAVID SYPNIEWSKI naît à Toulouse en 1990 dans une famille de musiciens. Il débute le violon avec son père à l'âge de six ans et rentre deux ans plus tard au conservatoire. En plus du violon, il y suit les cours d'écriture, analyse, composition, musique de chambre et musique baroque. Après l'obtention du premier prix de violon il est admis à la Haute Ecole de Musique de Lausanne (HEMU), site de Sion, dans la classe de Silvia Marcovici, puis dans celle de Lihay Bendayan. Par ailleurs, il se passionne pour la musique contemporaine et suit actuellement des cours de composition et improvisation électroacoustiques. En 2009 il obtient le premier prix du concours international Léopold Bellan à Paris. La même année il est stagiaire au sein de l'Orchestre national du Capitole de Toulouse et de l'Orchestre de chambre de Toulouse. David Sypniewski a bénéficié des conseils de Pierre Amoyal, Olivier Charlier, Christophe Poiget et Bartek Niziol. Il joue un violon de 2007 fait par Fabien Peyruc, un jeune luthier toulousain.

HERVE DUBOIS. Né à Fribourg en 1984, Hervé Dubois débute la guitare à l’âge de 7 ans. Il s’engage dans des études musicales professionnelles en 2005, chez Joaquim Freire à la Haute Ecole de Musique de Lausanne, avec lequel il obtient en 2009 son diplôme d’enseignement en guitare. Il termine son master de concert dans la classe de George Vassilev à la Haute Ecole de Musique de Lausanne. Son travail de master a été reconnu comme « meilleur Projet de Master de l’année académique 2010/2011 » avec un projet intitulé « Musique et interprétation picturale ». Hervé Dubois a participé à de nombreuses masterclass données par des guitaristes de renommées internationales, telles que Raphaella Smits, Oscar Gighlia, Pavel Steidl, Lorenzo Michelli, ou encore le Kaltchev Guitar Duo. Il a bénéficié des conseils de Susanne Mebes, à Clarens (Suisse) et de Laura Mondiello à la Scuola Diocesana di Musica Santa Cecilia à Brescia (Italie). En 2009, il a participé au Volterra Project d’Antigoni Goni en Toscane et en 2010, à une masterclass en musique de chambre, conduite par Alberto delle Piane, à Querceto (Italie). En 2011, il se perfectionne à une masterclass « Up Close & Personal with maestra Raphaella Smits », en Belgique. Actuellement il est actif dans plusieurs projets de musique de chambre, notamment en duo avec violon ou flûte, ainsi qu’en quatuor de guitare. Il enseigne actuellement aux Activités Culturelles Extrascolaires de la ville de Fribourg, et dans deux écoles de musique – Studio Musical – à Estavayer-le-Lac, et – 1 2 3 musique – à Sion, ainsi qu’en privé. En parallèle à ses études musicales, il a suivi des études universitaires à l’Université de Fribourg en sociologie de la communication. Il décroche le subside « Jean Widmer » en 2008 et termine sa licence en 2010.

CONCERT PICS

LIENS

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18/JAN/2012 - 19h00 SION, Théâtre de Valère CHF 30.-/CHF 15.- (Studenten, Lehrlinge), Kinder gratis CHF 30.-/CHF 15.- (étudiants, apprentis), enfants gratuit Abendkarte/valable la soirée entière Reservationen/Reservations: Théâtre de Valère Sion Tel: 027 323 45 61 E-mail: info@theatredevalere.ch	Jeunesse & Musique Contemporaine concert de musique contemporaine en collaboration avec la Haute Ecole de Musique HEMU, Site de Sion Ensembles de l'HEMU

PROGRAMME PROGRAMMKOMMENTAR. Im Sommer 2010 wurde zwischen der HEMU Vaud Valais Fribourg und dem forum : : wallis aufgrund der erfolgreichen Zusammenarbeiten 2006/2009/2010/2011 (Erarbeitung von Werken von Jean-Luc Darbellay, Andreas Zurbriggen, Hanspeter Pfammatter, Javier Hagen, Marie-Christine Raboud-Theurillat, Yannick Barman, Christophe Fellay, François-Xavier Delacoste, ferner Martinon, Bakauskas und Lutoslawski, Roe, Junghae Lee, Tedde, Hartmann, Sinangil, Schnittke, Kokkonen), ein mehrjähriger Zusammenarbeitsvertrag unterzeichnet, der Studenten und fortgeschrittenen Musikschülern die Möglichkeit zur Auseinandersetzung mit zeitgenössischer Musik unter professioneller Anleitung, sowie ein attraktives Podium für Konzertdarbietungen bietet. ATANAS OURKOUZOUNOV (1970) Fantasia Bulgarica pour 2 guitares Renaud Renquin / Dimitar Ivanov, guitare BENJAMIN ATTAHIR (1989) A vide pour violon seul (2008) David Sypniewski, violon MARTIN ROKEACH (*1953) Fantasy on Twelve Strings (1995) Renaud Renquin / Hervé Dubois TORU TAKEMITSU (1930-96) Distance pour saxophone soprano Noëmi Schwank, saxophone ISANG YUN (1917-95) 3 Inventions pour deux hautbois (Glissandi - Vorschlage - Harmonie) Nahoko Kinoshita et Claire Thomas, hautbois

FOTOS & TEASERS _ Atanas Ourkouzounov _ Benjamin Attahir _ Martin Rokeach

BIOGRAPHIES
ISANG YUN est né le 17 septembre 1917 près de la ville portuaire Tong Yong en Corée du Sud et vit à Berlin à partir de 1964. De 1933 à 1944, il a étudié la musique en Corée et au Japon. Il a participé aux luttes pour l'indépendance de la Corée et a vécu, résistant contre la domination japonaise, dans la clandestinité, avant d'être arrêté et fait prisonnier politique. Entre 1945 et 1956, travail social, direction d'un orphelinat, professeur de musique dans les écoles puis lecteur à l'université de Séoul. Prix de la culture de la Corée du Sud en 1955. Etudes à Paris et Berlin entre 1956 et 1959, entre autres chez Boris Blacher et Josef Rufer, participation au cours de Darmstadt. 1967, enlèvement à Berlin par le service secret sud-coréen. Prisonnier du régime de Park, il est libéré en 1969 après les protestations de l'opinion publique internationale. Enseigne la composition au conservatoire de Hanovre en 1969/70, puis professeur à la Hochschule de Berlin entre 1970 et 1985. Naturalisé allemand en 1971, il a participé à partir de 1973 à nombre de manifestations des coréens du sud en exil, aux Etats-Unis, au Japon, dans le cadre de l'internationale socialiste, se prononçant pour la démocratisation de la Corée du sud et la réunification du pays. Yun a été membre des Académies des Beaux-Arts de Hambourg et Berlin, et a été fait docteur honoris causa de l'Université de Tübingen en 1985. Il est mort le 3 novembre 1995 dans son pays d'adoption.

TORU TAKEMITSU. Premier compositeur japonais à avoir acquis une réputation internationale, Takemitsu a passé la première partie de son enfance jusqu’à l’âge de sept ans en Mandchourie, région chinoise occupée par les Japonais, où son père travaillait. Revenu au Japon, il poursuit sa scolarité jusqu’en 1944, date à laquelle il est mobilisé pour renforcer les bases japonaises en prévision de la prochaine invasion américaine. L’histoire politique du Japon depuis 1868 a oscillé entre l’intégration de la culture occidentale et des périodes protectionnistes de retour à la tradition nationale. Le contexte de la Deuxième guerre mondiale n’échappe pas à ce mouvement de balancier. Alors que la culture occidentale, et spécifiquement américaine, était totalement proscrite au Japon, le jeune Takemitsu, découvre au sortir de la guerre la célèbre chanson « Parlez-moi d’amour » qui l’impressionne profondément et dont il parlera encore avec émotion à la fin de sa vie. Il décide alors de devenir musicien et se forme en majeure partie de façon autodidacte, tout en recueillant parallèlement les conseils du compositeur Yasuji Kiyose. Bien qu’ayant été initié au koto par sa tante quand il était enfant, le jeune Takemitsu orientera clairement, dans un premier temps, ses choix en faveur de la musique occidentale aux dépens de la culture japonaise qu’il évitait consciemment : « Le Japon n’existait pour moi que dans un sens négatif. Du moins, quand j’ai décidé d’apprendre la musique occidentale moderne et d’en vivre, il me fallait rejeter le Japon » (Mirrors). Nourri de musique occidentale écoutée à la radio, il découvre également les œuvres de Copland, Piston et Sessions, celle de Messiaen à laquelle il restera attaché toute sa vie, et se passionne pour les films de Capra et d’autres réalisateurs américains, prolongeant ainsi le goût prononcé de sa mère pour le cinéma. Après avoir écrit sa première œuvre marquante, Lento in due movimenti (piano, 1950), Takemitsu participe l’année suivante à la fondation du groupe Jikken Kobo (Atelier expérimental, 1951-1957), initié par le poète surréaliste Shuzo Takiguchi, et qui réunit des musiciens, poètes et plasticiens. Cela donne lieu à des concerts avec des expériences de relation entre musique et image (Joji Yuasa), et pour lesquels Takemitsu composera notamment Uninterrupted Rest I (1952) pour piano et Vocalism A.I. (1956) pour voix enregistrées sur bande sur les lettres du mot « ai » (amour). L’expérience du « Jikken Kobo » marque irrémédiablement Takemitsu qui pratiquera souvent le travail en collaboration avec d’autres artistes, au croisement entre des formes artistiques différentes — poésie, théâtre, arts plastiques, etc. — et plus encore pour le cinéma. Il épouse en 1954 l’actrice Asaka Wakayama. Comme beaucoup de compositeurs japonais, Takemitsu découvre la musique sérielle, la musique concrète et la musique électronique au début des années cinquante. Peu après la création du studio de la NHK en 1955 amorçant les premières œuvres de musique concrète et électroniques japonaises (Mayuzumi), Takemitsu compose des musiques pour bande (Static Relief, 1955), des musiques pour la radio et la télévision, et aborde le cinéma avec ses premières partitions dès Hokusai en 1952 (sa musique ne sera finalement pas retenue et c’est Kiyose qui sera crédité au générique). À la suite d’une visite au Japon de Stravinsky, qui manifesta un intérêt appuyé pour le Requiem pour orchestre à cordes (1957), la notoriété de Takemitsu acquiert peu à peu une dimension internationale. Il remporte diverses récompenses dans le cadre de festivals de musique contemporaine. Bien qu’il commence à s’intéresser à la musique traditionnelle japonaise après avoir découvert le théâtre de marionnettes (Bunraku), Takemitsu continue à dissocier ses origines culturelles et sa propre musique qui reste étrangère à cette source. C’est le contact avec les idées de John Cage à la fin des années cinquante, puis la rencontre entre les deux hommes en 1964, qui le conduira à réviser sa position en l’incitant à renouer avec sa propre culture : Eclipse pour biwa et shakuachi (1966), dont la notation relève autant du graphisme que de la tablature, et surtout November Steps pour les deux mêmes instruments traditionnels confrontés à un orchestre symphonique l’année suivante, constituent les étapes essentielles de la réintégration de la tradition japonaise dans la musique de Takemitsu, qui culminera avec In an Autumn Garden (1973) pour un orchestre de gagaku. Les années soixante-dix sont celles de la consécration pour le compositeur – il est nommé directeur du Space Theater dans le cadre de l’exposition universelle d’Osaka en 1970 – dont le catalogue s’accroît de façon importante dans des domaines très divers. Il reçoit parallèlement de nombreux prix et honneurs internationaux qui ponctueront régulièrement ses dernières années. La production de Takemitsu dans les années quatre-vingt sera majoritairement consacrée à alimenter les cycles « Waterscape » (Rain Tree, Rain Spell, Rain coming, etc.) et « Dream » (Dreamtime, Dream / Window, Rain Dreaming) qui coïncideront avec une musique de plus en plus consonante et dont le point culminant sera atteint avec Quotation of Dream (1991). La réconciliation entre les cultures est symbolisée dans le concept de « mer des tonalités » qui apparaît comme le maillon esthétique et musical entre l’orient et l’occident.

MARTIN ROKEACH’s music has been performed throughout the United States, Europe and Australia by many orchestras, chamber music ensembles and soloists. In the past year his works have been performed by the Chicago Ensemble, Vermont Contemporary Music Ensemble, St. Olaf Trio (MN), Cygnus Ensemble (NY), Wyck Trio (U. K.), Sheridan Ensemble (Chicago), Webster Trio (TX), and Anderson-Fader Guitar Duo (NY). His music has earned honors in eleven composition competitions, most recently those sponsored by the International Clarinet Association, the Chicago Ensemble, and Cygnus Ensemble, and he has been commissioned to write music for the Left Coast Chamber Ensemble, Music Teachers Association of California, Northeastern University Band, and California Association of Professional Music Teachers. His music has been published by Fallen Leaf Press, RonCorp, ALRY, and Dorn, and recorded on the Albany, North/South, Capstone, Amie, Arizona, Furious Artisans and CRS labels. He has been a featured composer and speaker at New York University and Wichita State University, and concerts devoted exclusively to his music have been held at Washington State University and Western Carolina University. Mr. Rokeach earned bachelor’s and master’s degrees in music from San Francisco State University, and his Ph.D. in composition and theory from Michigan State University. He is a member of the faculty at Saint Mary’s College, where he teaches music theory, history and chamber music.

BENJAMIN ATTAHIR. Né à Toulouse en 1989, Benjamin Attahir commence par l'apprentissage du violon au conservatoire de sa ville natale puis, très vite, se passionne pour la composition. A l'âge de quinze ans, il intègre les classes d'écriture et de composition, durant cette période, il reçoit les conseils et encouragements de Jacques Charpentier et de Philippe Hurel. Deux ans plus tard, il entre dans la classe d'écriture de Jean-Francois Zygel au CNR de Paris dont il sort avec trois premiers prix. En 2007, il poursuit sa formation avec Alain Louvier pour l'orchestration et l'analyse ainsi qu'avec Edith Canat de Chizy pour la composition, année couronnée par un premier prix de composition décerné avec les félicitations du jury. En 2010, il obtient un master d'analyse au CNSMDP (classe d'Alain Louvier) et a fait partie des quatre compositeurs sélectionnés pour participer à la session Appassinato de l'orchestre de Caen (direction: Jean Deroyer). Benjamin Attahir a été deux fois lauréat du Concours Général, deux fois finaliste du concours de composition de Boulogne-Billancourt et s'est vu décerner à deux reprises le prix de la SACEM. Il est primé en avril 2011 par le nouveaux concours international de la ville de Boulogne-Billancourt pour sa pièce Piacere (clarinette et piano). Actuellement, il suit l'enseignement de Gérard Pesson et de Marc-André Dalbavie au Conservatoire Supérieur de Paris et perfectionne sa pratique du violon auprès d'Ami Flammer. Par ailleurs, il participe en tant que violoniste à l'Orchestre des Lauréats du Conservatoire (OLC) ainsi qu'à l'ensemble Artedie. En janvier 2011 est crée Rituales Libri (pour violon solo et 24 violons spécialisés) à l'espace de projection de l'IRCAM et en mars de la même année, N'zah (pour orchestre) dans le cadre des Alla Breve de France Musique par l'Orchestre National de France sous la direction de Takuo Yuasa. En outre la reprise de son concerto pour serpent aux Invalides à Paris en octobre 2011, Coïncidence pour saxophone et piano s'est vu créé à la Cité de la Musique de Paris en mars 2011 par le duo Azar.

ATANAS OURKOUZOUNOV (né en 1970 à Bourgas) est un compositeur d'origine bulgare de guitare classique. Il s'« initie » à la guitare quand il réside à Sofia, avec Dimitar Doitchinov. Il décide s'installe ensuite à Paris et continue ses études à partir de 1992, auprès de professeurs connus, dont Arnaud Dumond, Alexandre Lagoya et Olivier Chassain.. Il obtient un Premier Prix de guitare du Conservatoire de Paris en 1997. Mais Ourkouzounov se met aussi à composer, essentiellement pour guitare ou musique de Chambre avec guitare, et il remporte le Concours de composition Il Fronimo des Éditions Suivini Zerboni en 1998. Il a gagné d'autres concours de compositions, en Italie et en Uruguay notamment. Son œuvre se compose d'un cinquantaine de pièces pour guitare solo, duos, trios, quatuors, ensembles instrumentaux et deux concertos.( 2009). Atanas a enregistré personnellement à ce jour deux CD's mais ses œuvres se retrouvent exécutées par d'autres sur plus de 25 CD's. Premier Prix de guitare du Conservatoire de Paris en 1997, Atanas Ourkouzounov s'est fait remarquer lors des principaux concours et festivals aux Pays-Bas, en France, en Allemagne et en Bulgarie.

RENAUD RENQUIN commence la guitare à l’académie de musique de Bastogne (Belgique) avec Véronique Sulbout. Il poursuit à l’Académie de musique Fondation Prince Rainier 3 de Monaco dans la classe de Luc Vanderborght où il obtient son D.E.M puis le diplôme de Spécialisation. Il obtient le Diplôme d’interprétation à la Haute école de musique de Lausanne dans la classe de George Vassilev en 2010. Il se perfectionne également lors de stages avec Alberto Ponce, Roland Dyens, Juan Carlos Laguna, Sharon Isbin, Raphaella Smits, Pavel Steidl etc… Au cours de ses études, il est boursier de diverses organisations telles que : La bourse SOGEDA, la bourse « FONDATION PRINCESSE GRACE DE MONACO » et la bourse « FONDATION TURQUOI» Il est amené à jouer en tant que soliste et chambriste en Suisse, Belgique, France et Italie. En 2010 il a le privilège de jouer comme soliste avec « L’orchestre Philharmonique de Monaco ». Avide de nouvelles expériences, il se produit dans diverses formations de musique contemporaine : Vortex (Genève), EMC (Lausanne) avec lequel il joue « Le Marteau sans Maître » de Pierre Boulez sous la direction de William Blank. Depuis Sep/2011 il est engagé comme professeur de guitare au Conservatoire de Lausanne.

DIMITAR IVANOV. Né en 1986 à Silistra, Bulgarie, fait son premier cours de guitare à l’age de 7 ans. Après quelques prix régionaux et nationaux de competition de jeunes talents, il débute ses études de guitare en 2000 avec Vesselin Kolev. En 2005, il continue avec le professeur Dimitar Doychinov à la Nouvelle Université bulgare de Sofia. En 2006-2007 il fait ses études préprofessionnelles au Conservatoire Cantonal de musique de Sion, Suisse, dans la classe de guitare de George Vassilev. En 2007 il commence ses études au Conservatoire de Lausanne site de Sion et obtient son bachelor en 2010. Dimitar Ivanov est lauréat de quelques prix internationaux, organisés en Bulgarie, comme soliste ou en formation de musique de chambre. Il suit l’enseignement de Dusan Bogdanovich, Zoran Dukic, Pavel Steidl lors de masterclasses. Actuellement Dimitar Ivanov fait ses études à l’ HEMU Site de Sion au niveau Master d’interprétation.

DAVID SYPNIEWSKI naît à Toulouse en 1990 dans une famille de musiciens. Il débute le violon avec son père à l'âge de six ans et rentre deux ans plus tard au conservatoire. En plus du violon, il y suit les cours d'écriture, analyse, composition, musique de chambre et musique baroque. Après l'obtention du premier prix de violon il est admis à la Haute Ecole de Musique de Lausanne (HEMU), site de Sion, dans la classe de Silvia Marcovici, puis dans celle de Lihay Bendayan. Par ailleurs, il se passionne pour la musique contemporaine et suit actuellement des cours de composition et improvisation électroacoustiques. En 2009 il obtient le premier prix du concours international Léopold Bellan à Paris. La même année il est stagiaire au sein de l'Orchestre national du Capitole de Toulouse et de l'Orchestre de chambre de Toulouse. David Sypniewski a bénéficié des conseils de Pierre Amoyal, Olivier Charlier, Christophe Poiget et Bartek Niziol. Il joue un violon de 2007 fait par Fabien Peyruc, un jeune luthier toulousain.

HERVE DUBOIS. Né à Fribourg en 1984, Hervé Dubois débute la guitare à l’âge de 7 ans. Il s’engage dans des études musicales professionnelles en 2005, chez Joaquim Freire à la Haute Ecole de Musique de Lausanne, avec lequel il obtient en 2009 son diplôme d’enseignement en guitare. Il termine son master de concert dans la classe de George Vassilev à la Haute Ecole de Musique de Lausanne. Son travail de master a été reconnu comme « meilleur Projet de Master de l’année académique 2010/2011 » avec un projet intitulé « Musique et interprétation picturale ». Hervé Dubois a participé à de nombreuses masterclass données par des guitaristes de renommées internationales, telles que Raphaella Smits, Oscar Gighlia, Pavel Steidl, Lorenzo Michelli, ou encore le Kaltchev Guitar Duo. Il a bénéficié des conseils de Susanne Mebes, à Clarens (Suisse) et de Laura Mondiello à la Scuola Diocesana di Musica Santa Cecilia à Brescia (Italie). En 2009, il a participé au Volterra Project d’Antigoni Goni en Toscane et en 2010, à une masterclass en musique de chambre, conduite par Alberto delle Piane, à Querceto (Italie). En 2011, il se perfectionne à une masterclass « Up Close & Personal with maestra Raphaella Smits », en Belgique. Actuellement il est actif dans plusieurs projets de musique de chambre, notamment en duo avec violon ou flûte, ainsi qu’en quatuor de guitare. Il enseigne actuellement aux Activités Culturelles Extrascolaires de la ville de Fribourg, et dans deux écoles de musique – Studio Musical – à Estavayer-le-Lac, et – 1 2 3 musique – à Sion, ainsi qu’en privé. En parallèle à ses études musicales, il a suivi des études universitaires à l’Université de Fribourg en sociologie de la communication. Il décroche le subside « Jean Widmer » en 2008 et termine sa licence en 2010.

CONCERT PICS

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